Галерея

Великий художник – Иван Константинович Айвазовский

Биография Айвазовского, как и любого творца, полна интересными событиями, он родился и вырос в среде, нераздельно связанной с морем.Художник создал свой живописный язык, практически каждая его картина, а их он написал более 6000 полотен – шедевр, за свою жизнь устроил 125 персональных выставок по всему миру.

Иван Константинович Айвазовский (Ованес Айвазян) – всемирно известный российский художник-маринист, коллекционер. Брат армянского историка Гавриила Айвазовского. Он занимает исключительное место в истории не толькорусской, но и мировой пейзажной живописи. Слава одного из самых лучших маринистов пришла к художнику очень рано и венчала его творческий путь на протяжении шестидесяти лет.Айвазовский был меценатом, а также почетным членом римской, парижской и амстердамской Академии художеств.

Родился Иван Константинович 17(29) июля 1817г. в Феодосии. Еще в детстве у Ивана были выявлены способности к музыке и рисованию. На склоне лет Айвазовский писал: «Первые картины, виденные мною, когда во мне разгорелась искра пламенной любви к живописи, были литографии, изображающие подвиги героев в исходе двадцатых годов, сражающихся с турками за освобождение Греции. Впоследствии я узнал, что сочувствие грекам, свергающим турецкое иго, высказывали тогда все поэты Европы: Байрон, Пушкин, Гюго. Мысль об этой великой стране часто посещала меня в виде битв на суше и на море». Первые уроки художественного мастерства ему были даны известным архитектором Я.Х.Кохом. Незаурядное дарование Айвазовского раскрылось необыкновенно рано. Став выпускником училища, он поступил в симферопольскую гимназию. В 1835 году за этюд «Воздух над морем», Ивану уже была присуждена серебряная медаль. Он был настолько одаренным студентом, что его выпустили из Академии на 2 года раньше срока. После окончания гимназии, по протекции градоначальника А.И. Казначеева, будущего художника зачислили в столичную Императорскую Академию художеств.

Для самостоятельного творчества Иван Константинович отправился в родной Крым, где создавал морские пейзажи, занимался батальной живописью. За время пребывания в Крыму им было написано ряд прекрасно исполненных картин, среди них: «Лунная ночь в Гурзуфе» (1839г), «Морской берег» (1840г) и другие. В 1839 году Айвазовский, как художник принял участие в военно-морском походе к берегам Кавказа. На борту корабля он познакомился с прославленными русскими флотоводцами и героями будущей обороны Севастополя, В.А.Корниловым, П.С. Нахимовым, В.Н.Истоминым. С ними он сохранил дружественные отношения на протяжении всей жизни. Смелость и отвага, проявленными Айвазовским в боевой обстановке во время десанта в Субаши, вызвали к художнику симпатии среди моряков и соответствующий отклик в Петербурге. Эта операция запечатлена им на картине «Высадка в Субаши».После Крыма Иван Константинович вместе со своим товарищем по пейзажному классу, В.Штернбергом, отправился в Рим. По дороге они посетили Флоренцию и Венецию, где он познакомился с Н.В. Гоголем.

У Айвазовского была своя сложившаяся система творческой работы, манеру написания картин художник приобрел еще на юге Италии. «Живописец, только копирующий природу, - говорил он,- становится ее рабом. Движение живой стихии неуловимо для кисти: писать молнию, порыв ветра, всплеск волны- немыслимо с натуры. Художник должен запоминать их. Сюжет картин слагается у меня в памяти, как у поэта; сделав набросок на клочке бумаги, я приступаю к работе и до тех пор не отхожу от полотна, пока не выскажусь на нем кистью». Успех талантливому художнику принесли, написанные им романтические морские пейзажи «Буря», «Хаос», «Неаполитанская ночь», «Буря ночью», «Буря на Северном море», которые относятся к его наиболее поэтическим картинам. Сопоставление методов работы художника и поэта здесь не случайно. На формирование творчества Айвазовского большое влияние оказала поэзия А.С. Пушкина, поэтому неслучайно часто перед его картинами в нашей памяти возникают пушкинские строфы.

Главными работами Айвазовского являются картины «Черное море» и «Девятый вал» (1850). Художник изобразил раннее утро после бурной ночи. Первые лучи солнца освещают бушующий океан и громадный «девятый вал», готовый обрушиться на группу людей, ищущих спасение на обломках мачт. Зритель сразу же может представить, какая страшная гроза прошла ночью, какое бедствие терпел экипаж корабля и как гибли моряки. Несмотря на драматизм сюжета, картина Айвазовского не оставляет удручающего впечатления, наоборот, она полна света, оптимизма. Яркая красочная гамма картины звучит радостным гимном мужеству людей, побеждающих слепые силы страшной, но прекрасной в своем грозном величии стихии. Многие картины художника европейского периода были удостоены похвалы такого маститого критика, как У. Тернер.

1844 год стал знаковым для Айвазовского. Он стал главным живописцем российского Главного морского штаба, через 3 года ему присвоили звание профессора Академии художеств Санкт-Петербурга. Но, несмотря на успех, признание и многочисленные заказы, стремление императорской фамилии сделать его придворным живописцем, Айвазовский оставил Петербург. В1864 году Иван Константинович Айвазовский стал потомственным дворянином. Также он был награжден чином действительного тайного советника. Это звание соответствовало адмиральскому. Айвазовский очень любил путешествовать, он побывал во многих странах мира, а в конце жизни, в 1898 году, совершил далекое путешествие в Америку. Во время морских плаваний он обогащал свои наблюдения, а в его папках накапливались рисунки. Но где бы ни бывал художник, его всегда влекло к родным берегам Черного моря. Творчество Айвазовского глубоко патриотично. Кроме описания сражений и морских пейзажей он создал серии: портретов крымских побережных городов, крымских и украинских пейзажей, написал несколько исторических полотен.

Иван Константинович Айвазовский был глубоко семейным человеком. В первый раз он женился в 1848 году, на Юлии Яковлевне Гревс, у них родилось четверо детей, но спустя 12 лет супруги расстались. Главной причиной расставания было то, что Гревс стремилась жить светской жизнью в столице. Многие внуки Айвазовского тоже избрали художественную стезю, но по известности никто не смог опередить деда. Фамилию Айвазовский смог носить только один внук художника- Александр Латри. Второй его супругой в 1883 году стала А.Н.Саркисова-Бурзанян, младше его на 40 лет. Брак этот был счастливым, Айвазовский признавался, что благодаря этому союзу он еще ближе стал к своему народу. Жена пережила мужа на 44 года и умерла во время оккупации Крыма. Айвазовский пережил два поколения художников, а его искусство охватывает огромный отрезок времени. Начав с произведений, насыщенных яркими романтическими образами, он пришел к проникновенному, глубоко реалистическому и героическому образу морской стихии, создав картину «Среди волн». До последнего дня он сохранил не только зоркость глаза, но и глубокую веру в свое искусство, ясность чувств и мышления. Иван Константинович скончался внезапно ночью от кровоизлияния в мозг 19 апреля (2 мая) 1900 года, в Феодосии. На мольберте так и осталась недописанной картина «Взрыв турецкого корабля», над которой маринист трудился накануне. Похоронен он в армянской церкви Сурб Саркис. Признание Айвазовский получил еще при жизни. Память о художнике увековечена в наименовании астероида. В Симферополе, Кронштадте и Ереване установлены ему памятники.А в родной Феодосии, в его честь кроме памятника, созданы еще два фонтана. Названа одна из улиц и железнодорожная станция города. Во многих городах России есть улицы имени художника.

Интересные факты:

Настоящее имя художника- Ованес Айвазян. Отец будущего мастера, Константин(Геворг), армянин по происхождению, после переезда в Феодосию писал фамилию на польский манер: «Гайвазовский»;
Великий художник, которому повезло быть признанным при жизни, знавал нужду. Однажды ему заплатили за работу не деньгами, а колбасой;
Заработанные деньги Иван Константинович тратил не только на свою семью, но и на родной город. На его средства в Феодосии были построены галерея, библиотека, школа искусств;
Он также поспособствовал прокладке железнодорожного пути в Джанкой;
На свои средства Айвазовский построил новое здание для Феодосийского музея древностей с мемориалом П.С. Котляревского;
Художник занимался изучением археологии, вопросами охраны памятников Крыма. Он принял участие в исследовании более 80 курганов. За заслуги перед археологией Айвазовский был избран действительным членом Одесского общества истории и древностей;
Архив документов И.К. Айвазовского хранится в Российском государственном архиве литературы и искусства, Государственной публичной библиотеке им. М.Е.Салтыкова-Щедрина(Санкт-Петербург), Государственной Третьяковской галерее, Государственном центральном театральном музее им. А.А. Бахрушина.

Литература:

1. Иван Константинович Айвазовский. Т.2. - Москва. - ООО «Издательство «Директ-Медиа». – сер. «Великие художники». - 48с.

2. Комарова И.И. Железнова И.Я

Художники. - М.- «РИПОЛ КЛАССИК». – 2000. - сер. «Краткий биографический словарь». - 640с.

Муза блокадного Ленинграда

Ольга Федоровна Берггольц родилась 16 мая 1910 года в Петербурге. Ее предки приехали из Германии в Россию при правлении Петра I. Отец был очень талантливым врачом. В 1930 году Ольга окончила филологический факультет Ленинградского университета, после чего работала корреспондентом казахской газеты «Советская степь», затем редактором ленинградской газеты «Электросила». Первые свои стихи она опубликовала в 1924 году, а первые свои книги «Как Ваня поссорился с баранами», «Углич» посвятила детям и юношеству.

Ольга Федоровна - женщина, с драматической судьбой. В 1938 году она была арестована по делу литературной группы. Ее, в числе многих, обвинили в покушении на убийство Жданова, затем вспомнили ее замужество, первый муж считался «врагом народа». В годы блокады Ленинграда она потеряла всех своих родных: родителей, мужа, малолетних детей.

Творческая зрелость приходит к поэтессе в годы Великой Отечественной войны 1941- 1945 года. Находясь в осажденном Ленинграде, она создала свои лучшие поэмы, посвященные защитникам города: «Февральский дневник», «Ленинградская поэма», «Твой путь». В Доме радио, где она жила и работала все дни блокады, почти ежедневно велись радиопередачи, позднее вошедшие в ее книгу «Говорит Ленинград». Ее тихий голос, голос «ленинградской мадонны» стал голосом долгожданного друга в застывших и темных блокадных ленинградских домах, голосом осажденного Ленинграда, голосом веры в победу.

О мужестве людей рассказывают, и пьеса Берггольц «Они жили в Ленинграде», книги «Первороссийск», «Верность». Рожденная войной, поэзия Ольги Федоровны Берггольц, была оценена по-достоинству, высоко. В 1951 году поэтесса получила Государственную премию СССР. По ее автобиографической книге «Дневные звезды» был снят одноименный художественный фильм.

После снятия блокады в 1944 году, она по крупицам собирала фотографии, письма, экспонаты для музея героической обороны Ленинграда.

Трагичен финал жизни поэтессы. Умерла Ольга Федоровна Берггольц 13 ноября 1975 года в Ленинграде. Похоронена на Литераторских мостках Волкова кладбища, несмотря на прижизненную просьбу писательницы и поэтессы похоронить ее на Пискаревском мемориальном кладбище. Глава Ленинграда Романов отказал в сохранении памяти поэтессы, не разрешил и открыть музей имени Ольги Берггольц.

Только в мае 2005 года был установлен памятник поэтессе, который создал скульптор Владимир Горевой. Ольга Федоровна стоит вполоборота в блокадной квартире, у крестообразной рамы окна, с книгой в руках. С книгой, в которой рассказана правда об истории Великой Отечественной войны, ее пытаются замолчать, исказить, чтобы лишить нас, русских людей, исторической памяти. Вечным призывом для нас всегда будут звучать слова, сказанные Ольгой Берггольц: «Никто не забыт, и ничто не забыто».

Литература:

1.Берггольц, О.Ф. «Дневные звезды» / О. Берггольц. -Ленинград: Художественная литература, 1985. -105с.

2.Кузнецова, М. Музы блокадного Ленинграда /Маргарита Кузнецова//Литературная газета. - 2013.- №4.-2 февр.- С.3-7.

Признанный мастер портрета

Тем, кто знает и любит творчество Ренуара, знакомо чувство завороженности, которое возникает, когда останавливаешься перед его картинами и вдыхаешь в себя воздух удивительного искусства.

В его картинах - живая душа человека, они одухотворены любовью, окрашены поэтическим настроением и светом.

Пьер Огюст Ренуар родился 25 февраля 1841 года, сто семьдесят девять лет назад. Он был четвертым ребенком в многодетной семье лиможского портного, вскоре переехавшей в Париж. Огюст с детства рисовал, имел прекрасный голос и пел в церковном хоре. Регент (это был Шарль Гуно, автор оперы «Фауст»), который руководил хором, посоветовал родителям мальчика подумать о музыкальной карьере сына. Но отец был далек от мира музыки и мечтал о том, чтобы его сын стал художником по фарфору.

В 1854 году, в возрасте тринадцати лет молодой человек поступил на фарфоровую фабрику. Это ремесло нравилось Огюсту, он быстро выучился и стал расписывать блюдца и чашки, а потом и целые сервизы. Юноша часто ходил в Лувр, рисовал там, вдохновленный античной живописью Франсуа Буше, художника эпохи рококо, писавшего легкие жанровые сцены. Их Ренуар копировал в росписи по фарфору. Пьер Огюст неплохо зарабатывал, смог даже поступить на Севрскую фарфоровую мануфактуру, где стал учился живописи под руководством скульптура, предрекавшего ему блестящее будущее в искусстве.

Технический прогресс девятнадцатого столетия постепенно вытеснил ручную роспись по фарфору, и молодому Ренуару пришлось искать другой заработок. Выполнял заказы по росписи вееров, устроился мастером по росписи штор, но это не было пределом его мечтаний, и Ренуар решил учиться живописи в Школе при Академии художеств, на что копил деньги.

В 1862 году ему удалось осуществить мечту и поступить в Школу изящных искусств в Париже. Здесь Ренуар попал в мастерскую академического художника Шарля Глейра. Он добросовестно посещал занятия и учился рисунку. Однако учителю не нравилось, как Ренуар работает с цветом, он уже тогда использовал яркие сочные краски, что не приветствовалось в академической среде. Соучениками Огюста по мастерской Глейра были такие же молодые художники: Клод Моне, Фредерик Базиль, Альфред Сислей с бунтарским духом. Вскоре они подружились и уже вместе искали пути освобождения от оков академизма. Позже к ним присоединился Камиль Писсарро. В 1863 году мастерская Глейра закрылась, так Ренуар не успел получить художественное образование. Молодые художники с трудом находили деньги на еду и краски для работы.

К 1866 году относится работа художника «Трактир матушки Антони». Уже в этом раннем произведении можно проследить, как Ренуар строит композицию с помощью цвета: белая скатерть заключена в кольцо из черных фигур, вкрапление белых аксессуаров в котором помогает избежать слияния фигур в одну черную массу. Гармоничное распределение цветов достигнуто нанесением белых пятен «в шахматном порядке». В этой работе художник предстает прекрасным портретистом, а также мастером натюрморта. В дальнейшем он будет часто обращаться к жанру натюрморта. Вспомните, какое радостное впечатление остается от его картины 1866 года «Натюрморт с большой цветочной вазой».

В 1867 году Ренуар написал большой портрет своей любимой девушки Лизы Трео. Они встречались в течение семи лет, но он так и не женился на ней. Картина «Лиза» была большой удачей для молодого неизвестного художника. Лиза Трео стала также героиней картины «Диана-охотница». Ренуар часто писал портреты своих друзей - импрессионистов, совмещая их с жанровой живописью: художник изображал их в привычной для них обстановке за обычными занятиями, создавая тем самым документальные источники, повествующие о жизни этих людей. В 1867 году он написал «Портрет Фредерика Базиля»; в 1868 году «Портрет Альфреда Сислея с женой». Семейная пара, изображённая на картине, словно источает свет любви и счастья. Данью уважения и восторга искусством Э. Делекруа стала работа 1870 года «Алжирская женщина». Чрезвычайно эффектны картины «Моне читает» и «Портрет жены Клода Моне на диване». Лиричный и живой «Портрет Жанны Самари». Еще один замечательный пример работы портретного жанра - картина «Девушка с веером».

Ренуар часто работал вместе с Клодом Моне. Они писали одни и те же пейзажи, наблюдали за тенью и светом в природе и изучали возможности цвета в передаче этих эффектов. Ведь импрессионизм зародился на пленэре, только такой метод работы позволял добиваться передачи естественности освещения, непосредственность которой утрачивается при работе по памяти в мастерской. Свет стал основным «действующим лицом» полотен художника. Однако, в отличие от Моне, Ренуара больше интересовала человеческая фигура в световоздушной среде, нежели сама по себе природа. Так родились знаменитые « Лягушатники» - одноименные работы художников. Пейзаж «Тропинка в высокой траве». перекликается с «Полем маков у Аржантёя» Клода Мане. Живописец, оптимист по натуре, Ренуар через все творчество пронес любовь к празднику жизни, гуляющих или отдыхающих дам и кавалеров. Он старался не замечать темных сторон бытия и считал, что искусство должно дарить прекрасные мгновения наслаждения, а не служить назиданием или скучным поучением.

Ренуара привлекал и театр. На первой выставке импрессионистов он показал две своих работы 1874 года «Танцовщица» и «Парижанка».

Голова и плечи молодой женщины очерчены более четко, чем легкая юбка ее платья из воздушной ткани. Так Ренуар добивается эффекта существования фигуры в световоздушной среде – женщина словно выходит из дымки. Особенная прелесть образа заключается в том, что это неуловимо туманная мадмуазель открыта для контакта со зрителем.

Ренуар участвовал и во второй выставке импрессионистов в 1876 году, а на третьей в 1877 году, в числе других, представив картины «Бал в Мулен де ла Галетт» и «Качели». Картина «Портрет мадам Шарпантье с детьми», особенно прелестна, благодаря двум милым детским фигуркам, написанным в непосредственных позах, передающих неповторимую детскую пластику.

До 1882 года Ренуар больше не участвовал в выставках импрессионистов. Его материальное положение настолько улучшилось, что он мог позволить себе путешествие в Алжир, Венецию, Рим и Помпеи.

Вначале 1880-х Ренуар познакомился с Алиной Шариго, живущей неподалеку от него и воплощающей идеал женской красоты живописца, позже она станет его супругой. Алина появлялась во многих работах художника, начиная с «Завтрака гребцов». А уже в 1883 году состоялась первая персональная выставка Пьера Огюста Ренуара. Он стал уважаемым художником не только во Франции, но и за ее пределами. В 1885 году в семье живописца родился первый ребенок – сын Пьер. Они перебрались на родину Алины - Шампань. Через год Ренуар написал портрет супруги, держащей у груди маленького Пьера – «Материнство».

Пьер Ренуар - признанный мастер импрессионизма, со временем стал разочаровываться в разработанной им самим манере письма. Неудовлетворённый собой, он уничтожил некоторые написанные картины. С самого начала творческой карьеры художник всегда искал вдохновение в искусстве прошлых эпох. А также Ренуар стал использовать в своих работах опыт мастеров Возрождения, с их произведениями он познакомился в Италии, путешествуя по миру.

Мастер оставался верен миру красоты, радости и светлого счастья. Грустных, философских или назидательных картин он никогда не писал.

Одна из самых известных работ Ренуара «Зонтики». Художник начал писать картину в 1881 году в расцвет импрессионизма и закончил через пять лет, когда познакомился уже с искусством эпохи Возрождения, переосмыслив свой жизненный путь. Она стала последней большой картиной, посвященной жизни современного ему города.

В 1894 году в семье Ренуаров появился второй ребенок – сын Жан. Художник по-прежнему много путешествовал. В 1897 году в жизни мастера началось «хождение по мукам». Ренуар упал с велосипеда и сломал правую руку, что на первый взгляд, не предвещало никаких проблем. Картины он научился писать левой рукой. Но после этого перелома Ренуар стал испытывать постоянные боли. Так начинался артрит, который не оставлял живописца в течение двадцати лет жизни до его парализации. Алина делала все возможное для спасения супруга, однако после кратковременных улучшений состояния неизменно наступали ухудшения. К Ренуарам часто приезжали друзья, но, что характерно сам мастер до самого последнего дня своей жизни работал. В 1900 году Пьер Ренуар стал кавалером ордена Почетного легиона, а через десять лет – офицером этого ордена.

В 1901 году в их семье родился третий сын - Клод, ставший любимой моделью стареющего художника. Картины художника были представлены на многих выставках в Париже, Лондоне, Нью-Йорке и принесли ему заслуженную славу.

Во время Первой мировой войны ушли на фронт старшие сыновья Ренуаров, и оба вернулись ранеными. Алина старалась спасти своих детей, но умерла, не вынеся переживаний. Ренуар же, продолжал писать в инвалидном кресле, превозмогая боль во всем теле до своей смерти 2 декабря 1919 года. Скончался он от воспаления легких в Кань-сюр-Мере, похоронен в Эссуа.

Интересные факты:

В честь Ренуара назван кратер на планете Меркурий;
В 2016 году в его честь в России выпущен почтовый конверт

Литература:

Комарова И. И. Железнова И. Я. Художники. - Москва.- РИПОЛ КЛАССИК,
Пьер Огюст Ренуар 1841-1919. - Москва. - Директ-Медиа.: Комсомольская правда, 2000. – 49 с.: 45 ил. - (Великие художники).

Мой талант жизнерадостен…

Продолжая разговор о живописи, мне хотелось бы рассказать об одном из

художников, привнесших новизну в сложившуюся систему художественных

ценностей русского реалистического изобразительного искусства в 90-е годы ХIХ

века – Исааке Левитане.

Не очень долгая жизнь Левитана (1860-1900гг.) насыщена таким накалом

таланта, которого хватило бы не на одного художника. Его картины притягивают,

зачаровывают, создают сложнейшую гамму чувств и настроений у любого зрителя,

как бы ни был он далек от живописи. В них - душа русской природы, душа самой

Руси. Работая в традициях реализма в Товариществе передвижных художественных

выставок, Левитан поднялся выше борьбы идей, исповедуя только один принцип -

принцип своего таланта. Его часто называют Чеховым в живописи. Действительно,

есть много общего и в судьбах, и в складе характера этих выдающихся личностей

(недаром их связывала многолетняя крепкая дружба), и в той потрясающей глубине

и тонкости душевных переживаний, свойственных их творчеству.

Исаак Левитан родился в глухой провинции – в местечке Кибарты Ковенской губернии, в бедной еврейской семье: его отец был мелким железнодорожным служащим. Трудно сказать, как сложилась бы дальнейшая жизнь талантливого мальчика, но ему крупно повезло. В начале семидесятых годов семья смогла переехать в Москву, и он поступил в Училище живописи, ваяния и зодчества. С 1874 года его учителем стал А.К. Саврасов, затем В.Д. Поленов. Их роль в становлении Левитана как известного художника очень велика. Уже в первых, написанных им, ученических работах: «Вечер», 1877г.; «Березовая роща», «Осенний день. Сокольники», 1879г.; «Дуб», 1880г. Левитан раскрывается как художник настроения, угадывающий внутреннюю поэзию природы. Но самое большое впечатление на всех посетителей произвела картина «Вечер на пашне», полная тихой, сосредоточенной грусти. Восьмидесятые годы можно назвать в его творчестве, периодом роста мастерства и накопления впечатлений. Огромное значение в этом имели поездки на Волгу, которые художник совершал четыре года подряд, с 1887 по 1890 год. Могучая красота великой реки, ее бескрайние просторы вывели его видение природы на новый уровень, придав ему масштабность и значимость. Подтверждением тому его картины: «Тихая обитель», 1890г; «Вечерний звон», 1892г.

О картине «Тихая обитель» Антон Павлович Чехов писал сестре: «Был я на передвижной выставке. Левитан празднует именины своей великолепной музы. Его картина производит фурор». Будто предчувствуя скоротечность своей жизни, Исаак Левитан писал быстро и много. А каждое его полотно становилось событием. В 1892 году, вслед за картиной «Вечерний звон» были созданы два великих шедевра. Сюжет картины «У омута» связан с пушкинскими местами в Тверской губернии. Там, в имении баронессы Вульф, поэту рассказывали когда-то историю крестьянской девушки, утопившейся в омуте после того, как ее разлучили с женихом, отданным в солдаты. История эта вдохновила Пушкина написать «Русалку». Спустя много лет те же места посетил Левитан и запечатлел на полотне гиблый омут с заброшенной плотиной, темными зарослями, хмурым небом и тревожными отблесками заката на воде. Из такого места хочется бежать без оглядки, и в то же время чувствуешь захватывающее любопытство, которое сильнее страха, а ну, как и впрямь появится в сумеречной тишине прекрасная утопленница?.. Глубиной смысла притягивает внимание и второй его шедевр «Владимирка». На картине изображена просто дорога. Дорога течет за горизонт - и там, за горизонтом, будет тянуться еще сотни и сотни верст… до самой Сибири. Каждый российский житель, знал, что по Владимирскому тракту гоняют арестантов этапом на сибирскую каторгу. И у каждого, вид этой пустынной дороги рождал свои горестные переживания. Да и мы, потомки тех людей, испытываем, глядя на нее, мучительную, щемящую тоску. Не зря ведь на Руси издавна бытует поговорка: «От сумы да от тюрьмы не зарекайся». Сколько печальных песен создано об этой дороге, они и вдохновили художника на создание картины. И вот – небольшой штрих, говорящий о Левитане, как о человеке. Когда «Владимирку» захотел купить П.М. Третьяков, художник подарил ему картину, не взяв за нее деньги. Сам, Левитан считал своим главным произведением - картину «Над вечным покоем», 1894г. «В ней я весь, - писал он Третьякову, - со всей своей психикой, со всем моим содержанием». И в самом деле, в мировой пейзажной живописи очень мало картин, которые производили бы такое же сильное впечатление. Она буквально захватывает и пронзает душу. Маленькая церковь с кладбищем, застывшая высоко над величественным пространством воды и неба, медленно ворочающиеся грозовые тучи, тревожный и в то же время отрешенный свет… Бренность и вечность. Да, мы все умрем, но мы - часть этого величия, мы - в нем и оно – в нас, и поэтому мы – вечны! Но Левитан не был бы «Чеховым в живописи», если бы думал только о вечном. Его талант жизнерадостен. В середине и второй половине девяностых годов он создал целый ряд работ, полных чистых красок и сияющего солнечного свет: «Март», «Золотая осень», «Свежий ветер. Волга», 1895г.; «Весна - большая вода», 1897г. Солнцем пронизана и последняя его картина – «Озеро» (Русь»), которую он начал писать незадолго до смерти. На ней все тот же бескрайний простор, но теперь он светел и радостен. Бегут по высокому небу пышные облака, озерная вода под свежим ветром рябит и сверкает на солнце. Хочется дышать этим ветром, смотреть на простор и надеяться, что все будет хорошо. Эту надежду Левитан и оставил нам в наследство. Исаак Левитан – первый, самый талантливый, но не единственный среди русских пейзажистов рубежа столетий, которых можно назвать художниками настроения. Близкие тенденции проявлялись и в творчестве Н.Н. Дубовского, К.Я. Крыжицкого, С. И. Васильковского, С.И. Светославского, Н.А. Сергеева, И.И. Ендогурова, А.М. Васнецова и И.С. Остроухова.

Илья Остроухов – одна из самых колоритных фигур московской художественной жизни. О нем мы расскажем в следующей нашей статье.

Литература:

Ф. Мальцева. Мастера русского пейзажа: Вторая половина XIX века. — М.: Искусство, 1999
Шедевры русской живописи 90-е годы ХIХ века: Сост. Н. Майорова, Г. Скоков.- Москва.: «Белый город», 2007.-127с.