​

​

Признанный мастер портрета

​

                                                            Тем, кто знает и любит творчество Ренуара, знакомо чувство завороженности,                                                               которое возникает, когда останавливаешься перед его картинами и вдыхаешь                                                               в себя воздух удивительного искусства.

                                                             В его картинах - живая душа человека, они одухотворены любовью,                                                                               окрашены поэтическим настроением и светом.

                                                             Пьер  Огюст Ренуар родился 25 февраля 1841 года, сто семьдесят девять                                                                     лет назад. Он был четвертым ребенком в многодетной семье лиможского                                                                       портного, вскоре переехавшей в Париж. Огюст с детства рисовал, имел                                                                         прекрасный голос и пел в церковном хоре. Регент (это был Шарль Гуно, автор                                                               оперы «Фауст»), который руководил хором, посоветовал родителям мальчика                                                               подумать о музыкальной карьере сына. Но отец был далек от мира музыки и                                                                 мечтал о том, чтобы его сын стал художником по фарфору.

                                                             В 1854 году, в возрасте тринадцати лет молодой человек поступил на                                                                             фарфоровую фабрику. Это ремесло нравилось Огюсту, он быстро выучился и                                                               стал расписывать блюдца и чашки, а потом и целые сервизы. Юноша часто                                                                   ходил в Лувр, рисовал там, вдохновленный античной живописью Франсуа                                                                     Буше, художника эпохи рококо, писавшего легкие жанровые сцены. Их                                                                           Ренуар копировал в росписи по фарфору. Пьер Огюст неплохо зарабатывал,                                                                 смог даже поступить на Севрскую фарфоровую мануфактуру, где стал учился                                                               живописи под руководством скульптура, предрекавшего ему блестящее будущее в искусстве.

Технический прогресс девятнадцатого столетия постепенно вытеснил ручную роспись по фарфору, и молодому Ренуару пришлось искать другой заработок. Выполнял заказы по росписи вееров, устроился мастером по росписи штор, но это не было пределом его мечтаний, и Ренуар решил учиться живописи в Школе при Академии художеств, на что копил деньги.

В 1862 году ему удалось осуществить мечту и поступить в Школу изящных искусств в Париже. Здесь Ренуар попал в мастерскую академического художника Шарля Глейра. Он добросовестно посещал занятия и учился рисунку. Однако учителю не нравилось, как Ренуар работает с цветом, он уже тогда использовал яркие сочные краски, что не приветствовалось в академической среде. Соучениками Огюста по мастерской Глейра были такие же молодые художники: Клод Моне, Фредерик Базиль, Альфред Сислей с бунтарским духом. Вскоре они подружились и уже вместе искали пути освобождения от оков академизма. Позже к ним присоединился Камиль Писсарро. В 1863 году мастерская Глейра закрылась, так Ренуар не успел получить художественное образование. Молодые художники с трудом находили деньги на еду и краски для работы.

К 1866 году относится работа художника «Трактир матушки Антони». Уже в этом раннем произведении можно проследить, как Ренуар строит композицию с помощью цвета: белая скатерть заключена в кольцо из черных фигур, вкрапление белых аксессуаров в котором помогает избежать слияния фигур в одну черную массу. Гармоничное распределение цветов достигнуто нанесением белых пятен «в шахматном порядке». В этой работе художник предстает прекрасным портретистом, а также мастером натюрморта. В дальнейшем он будет часто обращаться к жанру натюрморта. Вспомните, какое радостное впечатление остается от его картины 1866 года «Натюрморт с большой цветочной вазой».

В 1867 году Ренуар написал большой портрет своей любимой девушки Лизы Трео. Они встречались в течение семи лет, но он так и не женился на ней. Картина «Лиза» была большой удачей для молодого неизвестного художника. Лиза Трео стала также героиней картины «Диана-охотница». Ренуар часто писал портреты своих друзей - импрессионистов, совмещая их с жанровой живописью: художник изображал их в привычной для них обстановке за обычными занятиями, создавая тем самым документальные источники, повествующие о жизни этих людей. В 1867 году он написал «Портрет Фредерика Базиля»; в 1868 году «Портрет Альфреда Сислея с женой». Семейная пара, изображённая на картине, словно источает свет любви и счастья. Данью уважения и восторга искусством Э. Делекруа стала работа 1870 года «Алжирская женщина». Чрезвычайно эффектны картины «Моне читает» и «Портрет жены Клода Моне на диване». Лиричный и живой «Портрет Жанны Самари». Еще один замечательный пример работы портретного жанра - картина «Девушка с веером».

​

                                                                             Ренуар часто работал вместе с Клодом Моне. Они писали одни и те                                                                               же пейзажи, наблюдали за тенью и светом в природе и изучали                                                                                       возможности цвета в передаче этих эффектов. Ведь импрессионизм                                                                               зародился на пленэре, только такой метод работы позволял                                                                                             добиваться передачи естественности освещения,                                                                                                               непосредственность которой утрачивается при работе по памяти в                                                                                 мастерской. Свет стал основным «действующим лицом» полотен                                                                                   художника. Однако, в отличие от Моне, Ренуара больше                                                                                                   интересовала человеческая фигура в световоздушной среде,                                                                                           нежели сама по себе природа. Так родились знаменитые «                                                                                               Лягушатники» - одноименные работы художников. Пейзаж «Тропинка                                                           в высокой траве». перекликается с «Полем маков у Аржантёя»                                                                                        Клода Мане. Живописец, оптимист по натуре, Ренуар через все творчество пронес любовь к празднику жизни, гуляющих или отдыхающих дам и кавалеров. Он старался не замечать темных сторон бытия и считал, что искусство должно дарить прекрасные мгновения наслаждения, а не служить назиданием или скучным поучением.

Ренуара привлекал и театр. На первой выставке импрессионистов он показал две своих работы 1874 года «Танцовщица» и «Парижанка».

Голова и плечи молодой женщины очерчены более четко, чем легкая юбка ее платья из воздушной ткани. Так Ренуар добивается эффекта существования фигуры в световоздушной среде – женщина словно выходит из дымки. Особенная прелесть образа заключается в том, что это неуловимо туманная мадмуазель открыта для контакта со зрителем.

Ренуар участвовал и во второй выставке импрессионистов в 1876 году, а на третьей в 1877 году, в числе других, представив картины «Бал в Мулен де ла Галетт» и «Качели». Картина «Портрет мадам Шарпантье с детьми», особенно прелестна, благодаря двум милым детским фигуркам, написанным в непосредственных позах, передающих неповторимую детскую пластику.

До 1882 года Ренуар больше не участвовал в выставках импрессионистов. Его материальное положение настолько улучшилось, что он мог позволить себе путешествие в Алжир, Венецию, Рим и Помпеи.

Вначале 1880-х Ренуар познакомился с Алиной Шариго, живущей неподалеку от него и воплощающей идеал женской красоты живописца, позже она станет его супругой. Алина появлялась во многих работах художника, начиная с «Завтрака гребцов». А уже в 1883 году состоялась первая персональная выставка Пьера  Огюста Ренуара. Он стал уважаемым художником не только во Франции, но и за ее пределами. В 1885 году в семье живописца родился первый ребенок – сын Пьер. Они перебрались на родину Алины - Шампань. Через год Ренуар написал портрет супруги, держащей у груди маленького Пьера – «Материнство».

Пьер Ренуар - признанный мастер импрессионизма, со временем стал разочаровываться в разработанной им самим манере письма. Неудовлетворённый собой, он уничтожил некоторые написанные картины. С самого начала творческой карьеры художник всегда искал вдохновение в искусстве прошлых эпох. А также Ренуар стал использовать в своих работах опыт мастеров Возрождения, с их произведениями он познакомился в Италии, путешествуя по миру.

Мастер оставался верен миру красоты, радости и светлого счастья. Грустных, философских или назидательных картин он никогда не писал.

Одна из самых известных работ Ренуара «Зонтики». Художник начал писать картину в 1881 году в расцвет импрессионизма и закончил через пять лет, когда познакомился уже с искусством эпохи Возрождения, переосмыслив свой жизненный путь. Она стала последней большой картиной, посвященной жизни современного ему города.

В 1894 году в семье Ренуаров появился второй ребенок – сын Жан. Художник по-прежнему много путешествовал. В 1897 году в жизни мастера началось «хождение по мукам». Ренуар упал с велосипеда и сломал правую руку, что на первый взгляд, не предвещало никаких проблем. Картины он научился писать левой рукой. Но после этого перелома Ренуар стал испытывать постоянные боли. Так начинался артрит, который не оставлял живописца в течение двадцати лет жизни до его парализации. Алина делала все возможное для спасения супруга, однако после кратковременных улучшений состояния неизменно наступали ухудшения. К Ренуарам часто приезжали друзья, но, что характерно сам мастер до самого последнего дня своей жизни работал. В 1900 году  Пьер Ренуар стал кавалером ордена Почетного легиона, а через десять лет – офицером этого ордена.

В 1901 году в их семье родился третий сын - Клод, ставший любимой моделью стареющего художника. Картины художника были представлены на многих выставках в Париже, Лондоне, Нью-Йорке и принесли ему заслуженную славу.

Во время Первой мировой войны ушли на фронт старшие сыновья Ренуаров, и оба вернулись ранеными. Алина старалась спасти своих детей, но умерла, не вынеся переживаний. Ренуар же, продолжал писать в инвалидном кресле, превозмогая боль во всем теле до своей смерти 2 декабря 1919 года. Скончался он от воспаления легких в Кань-сюр-Мере, похоронен в Эссуа.

Интересные факты:

• В честь Ренуара назван кратер на планете Меркурий;

• В 2016 году в его честь в России выпущен почтовый конверт

Литература:

1. Комарова И. И. Железнова И. Я. Художники. - Москва.- РИПОЛ КЛАССИК,

2. Пьер  Огюст Ренуар 1841-1919. - Москва. - Директ-Медиа.: Комсомольская правда, 2000. – 49 с.: 45 ил. - (Великие художники).

 

 

Мой талант жизнерадостен…

​

         Продолжая разговор о живописи, мне хотелось бы рассказать об одном из

художников, привнесших новизну в сложившуюся систему художественных

ценностей русского реалистического изобразительного искусства в 90-е годы ХIХ

века – Исааке Левитане.

         Не очень долгая жизнь Левитана (1860-1900гг.) насыщена таким накалом

таланта, которого хватило бы не на одного художника. Его картины притягивают,

зачаровывают, создают сложнейшую гамму чувств и настроений у любого зрителя,

как бы ни был он далек от живописи. В них - душа русской природы, душа самой

Руси. Работая в традициях реализма в Товариществе передвижных художественных

выставок, Левитан поднялся выше борьбы идей, исповедуя только один принцип -

принцип своего таланта. Его часто называют Чеховым в живописи. Действительно,

есть много общего и в судьбах, и в складе характера этих выдающихся личностей

(недаром их связывала многолетняя крепкая дружба), и в той потрясающей глубине

и тонкости душевных переживаний, свойственных их творчеству.

         Исаак Левитан родился в глухой провинции – в местечке Кибарты Ковенской губернии, в бедной еврейской семье: его отец был мелким железнодорожным служащим. Трудно сказать, как сложилась бы дальнейшая жизнь талантливого мальчика, но ему крупно повезло. В начале семидесятых годов семья смогла переехать в Москву, и он поступил в Училище живописи, ваяния и зодчества. С 1874 года его учителем стал А.К. Саврасов, затем В.Д. Поленов. Их роль в становлении Левитана как известного художника очень велика. Уже в первых, написанных им, ученических работах: «Вечер», 1877г.; «Березовая роща», «Осенний день. Сокольники», 1879г.; «Дуб», 1880г. Левитан раскрывается как художник настроения, угадывающий внутреннюю поэзию природы. Но самое большое впечатление на всех посетителей произвела картина «Вечер на пашне», полная тихой, сосредоточенной грусти. Восьмидесятые годы можно назвать в его творчестве, периодом роста мастерства и накопления впечатлений. Огромное значение в этом имели поездки на Волгу, которые художник совершал четыре года подряд, с 1887 по 1890 год. Могучая красота великой реки, ее бескрайние просторы вывели его видение природы на новый уровень, придав ему масштабность и значимость. Подтверждением тому его картины: «Тихая обитель», 1890г; «Вечерний звон», 1892г.

         О картине «Тихая обитель» Антон Павлович Чехов писал сестре: «Был я на передвижной выставке. Левитан празднует именины своей великолепной музы. Его картина производит фурор». Будто предчувствуя скоротечность своей жизни, Исаак Левитан писал быстро и много. А каждое его полотно становилось событием. В 1892 году, вслед за картиной «Вечерний звон» были созданы два великих шедевра. Сюжет картины «У омута» связан с пушкинскими местами в Тверской губернии. Там, в имении баронессы Вульф, поэту рассказывали когда-то историю крестьянской девушки, утопившейся в омуте после того, как ее разлучили с женихом, отданным в солдаты. История эта вдохновила Пушкина написать «Русалку». Спустя много лет те же места посетил Левитан и запечатлел на полотне гиблый омут с заброшенной плотиной, темными зарослями, хмурым небом и тревожными отблесками заката на воде. Из такого места хочется бежать без оглядки, и в то же время чувствуешь захватывающее любопытство, которое сильнее страха, а ну, как и впрямь появится в сумеречной тишине прекрасная утопленница?.. Глубиной смысла притягивает внимание и второй его шедевр «Владимирка». На картине изображена просто дорога. Дорога течет за горизонт - и там, за горизонтом, будет тянуться еще сотни и сотни верст… до самой Сибири. Каждый российский житель, знал, что по Владимирскому тракту гоняют арестантов этапом на сибирскую каторгу. И у каждого, вид этой пустынной дороги рождал свои горестные переживания. Да и мы, потомки тех людей, испытываем, глядя на нее, мучительную, щемящую тоску. Не зря ведь на Руси издавна бытует поговорка: «От сумы да от тюрьмы не зарекайся». Сколько печальных песен создано об этой дороге, они и вдохновили художника на создание картины. И вот – небольшой штрих, говорящий о Левитане, как о человеке. Когда «Владимирку» захотел купить П.М. Третьяков, художник подарил ему картину, не взяв за нее деньги. Сам, Левитан считал своим главным произведением - картину «Над вечным покоем», 1894г. «В ней я весь, - писал он Третьякову, - со всей своей психикой, со всем моим содержанием». И в самом деле, в мировой пейзажной живописи очень мало картин, которые производили бы такое же сильное впечатление. Она буквально захватывает и пронзает душу. Маленькая церковь с кладбищем, застывшая высоко над величественным пространством воды и неба, медленно ворочающиеся грозовые тучи, тревожный и в то же время отрешенный свет… Бренность и вечность. Да, мы все умрем, но мы - часть этого величия, мы - в нем и оно – в нас, и поэтому мы – вечны! Но Левитан не был бы «Чеховым в живописи», если бы думал только о вечном. Его талант жизнерадостен. В середине и второй половине девяностых годов он создал целый ряд работ, полных чистых красок и сияющего солнечного свет: «Март», «Золотая осень», «Свежий ветер. Волга», 1895г.; «Весна - большая вода», 1897г. Солнцем пронизана и последняя его картина – «Озеро» (Русь»), которую он начал писать незадолго до смерти. На ней все тот же бескрайний простор, но теперь он светел и радостен. Бегут по высокому небу пышные облака, озерная вода под свежим ветром рябит и сверкает на солнце. Хочется дышать этим ветром, смотреть на простор и надеяться, что все будет хорошо. Эту надежду Левитан и оставил нам в наследство. Исаак Левитан – первый, самый талантливый, но не единственный среди русских пейзажистов рубежа столетий, которых можно назвать художниками настроения. Близкие тенденции проявлялись и в творчестве Н.Н. Дубовского, К.Я. Крыжицкого, С. И. Васильковского, С.И. Светославского, Н.А. Сергеева, И.И. Ендогурова, А.М. Васнецова и И.С. Остроухова.

         Илья Остроухов – одна из самых колоритных фигур московской художественной жизни. О нем мы расскажем в следующей нашей статье.

 

         Литература:

 

1. Ф. Мальцева. Мастера русского пейзажа: Вторая половина XIX века. — М.: Искусство, 1999

2. Шедевры русской живописи 90-е годы ХIХ века: Сост. Н. Майорова, Г. Скоков.- Москва.: «Белый город», 2007.-127с.